Mais attention : un bon twist, ce n’est pas juste une révélation sortie du chapeau pour te mettre sur les fesses. Il faut qu’il soit amené, qu’il ait du sens et surtout qu’il te donne envie de revoir le film autrement. Bref, il faut de la cohérence !

Et évidemment, pas de spoilers dans ce classement. Sinon ça n’a strictement aucun intérêt… L’idée, c’est justement de vous donner envie de découvrir ou redécouvrir ces films sans vous flinguer leur meilleur moment.

Bref, voici mes 10 twists préférés au cinéma.

10. L’Armée des 12 singes (1995)

Terry Gilliam nous embarque dans une histoire de voyage dans le temps complètement barrée, avec Bruce Willis envoyé dans le passé pour tenter de comprendre l’origine d’un virus qui a ravagé l’humanité.

Ce que j’aime surtout, c’est que le film ne te balance pas son twist à la figure comme un vulgaire tour de passe-passe. Tout était là. Gilliam joue avec le temps et construit son histoire comme une boucle qui se referme peu à peu. Et à la fin, certains détails prennent soudain un tout autre sens.

Et puis il y a Brad Pitt, complètement à contre-emploi, qui livre une prestation totalement déjantée. À mille lieues du beau gosse propre sur lui, il est ici complètement perché, hystérique et imprévisible.

Bref, un film complètement atypique, un peu fou, parfois dérangeant, mais surtout un sacré morceau de cinéma qui reste en tête longtemps après le générique.

9. Incassable (2000)

Avec Incassable, M. Night Shyamalan, un réal que j’adore, fait un truc assez malin : il prend un film de super-héros et décide de le traiter comme un drame intimiste, très resserré.

Le film prend son temps, installe son ambiance et joue beaucoup plus sur le doute et le malaise que sur l’action. On comprend progressivement que Dunn, joué par Bruce Willis, n’est peut-être pas aussi ordinaire qu’il le pense, tandis que Samuel L. Jackson lui donne un personnage fascinant, fragile, obsessionnel et très complexe.

Et puis arrive le twist final… Un twist particulièrement bien amené, fort, qui recontextualise tout le film et révèle toute la tragédie derrière cette histoire de héros et de vilain. Et la musique de James Newton Howard, magnifique, accompagne parfaitement cette révélation.

Un Night Shyamalan taille patron !

8. Old Boy (2003)

Park Chan-wook ne fait pas dans la dentelle ! Old Boy, c’est un film de vengeance complètement malade, violent, stylisé à mort, mais surtout un film qui sait parfaitement où il veut emmener son spectateur.

L’histoire est déjà complètement folle : un type est enlevé, enfermé pendant 15 ans sans savoir pourquoi, puis relâché du jour au lendemain avec pour seule obsession de retrouver celui qui lui a fait ça. Et à partir de là, ça part très, très loin.

Parce que le twist final, lui, il fait mal. Pas uniquement parce qu’il surprend, mais parce qu’il transforme complètement le sens de ce qu’on vient de regarder. Et surtout, il donne à la vengeance une dimension beaucoup plus tragique et malsaine qu’on ne pouvait l’imaginer… Mais genre, vraiment.

Old Boy, c’est donc un film avec un twist qui te laisse franchement KO. Attachez vos ceintures, ça déménage sévère.

7. Memento (2000)

Avec Memento, Nolan part d’une idée toute simple (en apparence) : un mec qui ne peut plus créer de nouveaux souvenirs. Le truc bien relou, quoi. Et en gros, Leonard cherche le meurtrier de sa femme, mais il doit tout noter, tout photographier, tout tatouer pour ne pas perdre le fil de ses pensées.

Nolan décide évidemment de raconter l’histoire à l’envers, sinon c’est trop facile. Un vrai puzzle, mais surtout un moyen génial de nous mettre dans la tête de Leonard : on est aussi paumés que lui, à essayer de comprendre ce qu’on fout là et à qui on peut faire confiance.

Et le twist fonctionne parce qu’il ne sort pas de nulle part. Quand tout s’éclaire, certaines scènes prennent un autre sens et tu réalises que Nolan t’a baladé tranquillement pendant tout le film… comme d’habitude ! 

Pas le film le plus spectaculaire de sa filmo, loin de là, mais quel scénario…

Voir aussi : Top des films de Christopher Nolan

6. Fight Club (1999)

Avec Fight Club, David Fincher nous sort un film excessif sur la masculinité, la frustration, la société de consommation… bref, un film coup de poing (ahah).

Et forcément, il y a Tyler Durden. Brad Pitt est tellement iconique dans le rôle que le personnage est devenu une référence à lui tout seul. Edward Norton lui oppose un personnage beaucoup plus paumé, presque effacé, et leur duo fonctionne à merveille.

Mais ce qui rend le film aussi marquant, c’est son énergie complètement anarchique. Le montage, la voix off, la photographie, les dialogues… Fincher donne au film une identité de malade. Et quand arrive la révélation, c’est le bouquet final d’un film qui a pourtant été un échec à sa sortie, avant de devenir un véritable film culte.

5. Shutter Island (2010)

Avec Shutter Island, Marty Scorsese nous emmène sur une île paumée avec un HP bien glauque, avec Leonardo DiCaprio en marshal venu enquêter sur la disparition d’une patiente. Et évidemment, plus l’enquête avance, plus quelque chose cloche… Normal, sinon y a pas de film hein.

Le film joue constamment avec notre perception. On doute de tout : des personnages, des événements, de ce que DiCaprio voit… Le tout dans une ambiance franchement flippante, avec en toile de fond le traumatisme de la guerre, ce qui donne au film une vraie épaisseur au-delà du simple thriller.

Le twist arrive, et il fonctionne malgré quelques petites incohérences qu’on pardonne facilement. Ce que j’aime surtout, c’est que Scorsese ne cherche pas à faire du twist un simple coup de théâtre : il s’en sert pour appuyer tout le traumatisme du personnage et donner une vraie dimension tragique à l’histoire.

4. Seven (1995)

Avec Seven, David Fincher nous plonge dans un enfer poisseux, crade et franchement déprimant, où Morgan Freeman et Brad Pitt traquent un tueur en série qui a décidé de faire des sept péchés capitaux son petit programme personnel, le tout dans une ville où il pleut H24.

Ce tueur, c’est le célèbre John Doe. Un type qu’on voit finalement très peu, mais qui écrase tout le film de sa présence. Kevin Spacey joue la carte du calme absolu, presque de la banalité, et c’est justement ce qui le rend aussi glaçant : le mec donne l’impression d’avoir tout prévu.

La fin est l’une des plus célèbres du cinéma, et surtout une de celles qui te restent bien en travers de la gorge… Fincher te prépare tranquillement à la pire conclusion possible, puis il te l’envoie en pleine gueule.

Indémodable.

🥉 3. Usual Suspects (1995)

Là, on attaque un monument du film à twist, cité dans pratiquement tous les classements.

Un groupe de criminels se retrouve embarqué dans une histoire de braquage qui part rapidement en vrille, avec un mystérieux Keyser Söze qui plane sur toute l’affaire. Et tout le film repose sur une question toute simple : qui raconte vraiment la vérité ?

Et c’est là que le film est particulièrement malin : on cherche le fameux Keyser Söze pendant tout le film, alors que le véritable enjeu est la fiabilité du récit qu’on est en train d’écouter !

Un classique absolu du genre. Le genre de film qu’il faudrait pouvoir découvrir une première fois plusieurs fois.

🥈 2. Sixième Sens (1999)

Le film prend son temps (un poil lent, allez), installe une ambiance étrange et te fait t’attacher à Cole, ce gamin complètement paumé mais bougrement intelligent, qui porte une sacrée histoire sur ses épaules (il prétend voir des morts…). Haley Joel Osment est bluffant. Magnifique, touchant, on a juste envie de lui faire un gros câlin et de le sortir de toute cette merde.

Et puis il y a Bruce Willis dans un registre étonnamment sobre, et avec des cheveux, ce qui mérite d’être signalé. Il est loin du rôle de gros dur auquel on l’associe souvent, et cette retenue fonctionne parfaitement ici.

Et forcément, il y a la fameuse révélation. Celle que tout le monde connaît aujourd’hui, malheureusement, mais qui reste redoutablement efficace si tu découvres le film sans rien savoir. 

Bref, un classique qui, malgré son twist archi-connu, reste l’un des plus bouleversants du genre.

🥇 1. Le Prestige (2006)

Et forcément, je ne pouvais pas mettre autre chose en numéro 1 que ce petit bijou d’écriture. Le Prestige, c’est exactement ce que j’aime dans un film à twist : un film qui te prend pour un con, oui, mais sans jamais te mentir.

Le twist n’est surtout pas gratuit. Il est au cœur de cette histoire de rivalité, d’obsession et de sacrifice. Les deux personnages sont tellement bouffés par leur compétition qu’ils sont prêts à aller très, très loin pour ne surtout pas laisser l’autre gagner.

Et c’est là que Le Prestige devient un banger : non seulement le twist fonctionne la première fois, mais le film devient presque meilleur une fois qu’on le connaît. Car tu ne cherches plus à savoir ce qui va arriver, tu regardes comment tu t’es fait embrouiller et tu vérifies si tout tient debout. Spoiler : oui, totalement.

Bref, un film à découvrir ou à redécouvrir de toute urgence !

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Mais il existe une autre obsession, peut-être moins commentée et pourtant présente depuis le début de sa carrière : le réel.

Car Nolan aime les concepts impossibles, mais il déteste les laisser flotter dans le vide. Il veut leur donner du poids, des règles, une logique, une matière. Il veut que le spectateur puisse presque toucher ce qu’il regarde.

C’est probablement ce qui explique une grande partie de ses choix de mise en scène : Nolan cherche non seulement à faire des films réalistes, mais surtout à rendre crédible ce qui ne l’est pas de prime abord.

Batman plutôt que Superman

Son choix par exemple de s’attaquer à Batman n’a d’ailleurs rien d’anodin.

Car lorsqu’un réalisateur veut faire un film de super-héros au début des années 2000 (2005, pour Begins), il pourrait difficilement rêver d’un personnage plus spectaculaire que Superman. Un extraterrestre beau gosse qui vole, traverse les murs, soulève des immeubles à la force de ses biceps et se déplace à une vitesse à faire péter tous les radars automatiques du pays.

Mais que nenni : Nolan choisit plutôt de consacrer une trilogie à Batman, le seul grand super-héros qui n’a pas de super-pouvoir.

Au fond, Batman est « juste » méga-riche, intelligent, surentraîné et animé par un esprit de vengeance à faire pâlir Max Cady. Mais il reste humain. Il ne vole pas : il utilise une sorte de grappin. Il ne traverse pas les murs : il les défonce. Il n’a pas de force surnaturelle : il compense avec des gadgets, une armure et une montagne de pognon.

Autrement dit, Batman est le super-héros le plus compatible avec l’obsession réaliste de Nolan.

Et ce n’est pas seulement une question de personnage. C’est tout l’univers qu’il entreprend de reconstruire.

Avec Batman Begins, Gotham n’est plus vraiment une ville de comics à la Tim Burton, l’anti-Nolan par excellence. Car là où Burton assume le gothique, le “bizarroïde” et le cartoonesque, Nolan transforme Gotham en métropole américaine crédible, sale, corrompue, traversée par des problèmes sociaux et politiques parfaitement contemporains.

Bruce Wayne n’est plus seulement un milliardaire qui enfile un costume pour aller distribuer quelques mandales la nuit : c’est un homme traumatisé, violent, hanté par son passé et parfois lui-même à la frontière entre le bien et le mal. Parce que chez Nolan, même Batman n’a pas droit à son petit certificat de sainteté...

Et surtout, Nolan refuse autant que possible de présenter Batman comme un “être magique”. Son costume est une véritable armure fabriquée par sa propre boîte. La Batmobile ressemble davantage à un véhicule militaire qu’à une voiture de super-héros. Le Batpod est une pure invention mécanique. Les gadgets ont tous une fonction bien précise. Et même la peur devient une arme psychologique.

Le fantastique est évidemment un peu là (un tout petit peu). Mais Nolan le recouvre d’une couche de réalité suffisamment épaisse pour qu’on puisse presque oublier qu’on regarde un film de super-héros.

Cette obsession du concret se retrouve jusque dans les effets spéciaux

Ce n’est plus une légende : Nolan déteste les CGI lorsqu’ils peuvent être évités et préfère largement filmer quelque chose qui existe vraiment plutôt que de tout pipoter sur fond vert. C’est pour ça qu’il fait construire ses décors, retourne réellement des véhicules dans The Dark Knight, utilise un vrai bateau pour L’Odyssée ou balance carrément un avion contre un hangar dans Tenet. Chez Nolan, le numérique est là pour compléter le réel, pas pour faire semblant qu’il existe.

L’impossible, oui, mais avec des règles

Inception est probablement l’exemple le plus évident de cette philosophie.

Sur le papier, le concept est complètement délirant : des personnages peuvent entrer dans les rêves des autres, construire des architectures impossibles, manipuler leur perception du temps et descendre progressivement dans plusieurs niveaux de conscience.

N’importe quel réalisateur aurait pu prendre cette idée comme une invitation à faire absolument n’importe nawak visuellement. Après tout, le rêve permet précisément de s’affranchir des règles du monde réel.

Mais non. Nolan impose des règles, des lois, une logique et presque une physique à cet univers onirique, comme s’il avait peur que les rêves lui échappent. Un paradoxe, puisque les rêves, précisément, nous échappent…

Dans Inception, donc : plus on descend dans les niveaux de rêve, plus le temps s’étire. La gravité d’un niveau influence celui qui se trouve au-dessus. Une chute dans un niveau peut provoquer une sensation de chute dans un autre. Et le fameux « kick » doit être parfaitement synchronisé pour permettre aux personnages de remonter progressivement à la surface.

Le film transforme donc une idée complètement farfelue en mécanique scientifique. Et c’est probablement là que se trouve le véritable truc de Nolan : il aime suffisamment le fantastique pour s’y aventurer, mais encore plus le réel pour lui mettre des barrières.

Même Tenet veut être concret

Et puis il y a Tenet, autre bon exemple de cette obsession du réel, précisément parce que son principe de départ semble totalement incompatible avec elle.

Nolan imagine un monde dans lequel certains objets et certains personnages peuvent inverser leur entropie et avancer à rebours du temps. Dit comme ça, on est quand même assez loin du petit film réaliste franchouillard du dimanche soir.

Et pourtant, Nolan veut savoir ce que ça implique concrètement. Une personne qui avance à rebours ne se contente pas de marcher à l’envers : elle doit respirer différemment, se déplacer différemment, interagir différemment avec ce qui l’entoure. Même les objets doivent obéir à cette logique.

Bref, le principe est complètement dingue, mais Nolan veut quand même qu’il tienne debout.

C’est là que Tenet devient intéressant. Mais aussi sacrément usant, soyons honnêtes. Parce qu’à force de pousser sa logique jusqu’au bout, Nolan finit par donner l’impression de jouer tout seul dans son coin. Lui connaît les règles, les enjeux, la mécanique. Nous, on essaie simplement de rester dans le film. Et à ce petit jeu-là, il y en a forcément quelques-uns qui sont restés sur le carreau.

Le paradoxe Nolan

C’est peut-être là que se trouve le paradoxe de Christopher Nolan : plus ses histoires deviennent invraisemblables, plus il semble avoir besoin de réel.

Avec L’Odyssée, il s’est attaqué à quelque chose qui pourrait sembler être l’antithèse absolue de cette démarche : un récit mythologique vieux de près de trois mille ans, rempli de dieux, de monstres et de créatures fantastiques. Bref, quelque chose qui, a priori, ne colle pas vraiment à l’esprit nolanien.

Et pourtant, à bien y regarder, le choix est plutôt logique.

Car derrière toute cette mythologie, L’Odyssée raconte aussi quelque chose de très concret et toujours actuel : un homme qui traverse le monde pendant des années pour rentrer chez lui. Un voyage autant extérieur qu’intérieur, où le périple d’Ulysse devient aussi une manière de se confronter à lui-même.

Il y a la mer, les bateaux, les tempêtes, les combats, les blessures, la fatigue, la faim, la peur… Il y a surtout des hommes qui doivent se débrouiller avec leur corps, mais aussi avec ce qu’ils ont dans la tête. Bref : tout ce qui permet à Nolan de donner une matière presque physique à une histoire qui, sur le papier, relève pourtant entièrement du mythe.

Et il trouve même une manière assez maligne de nous faire avaler tout ça… Mais là, je ne vais évidemment pas vous expliquer comment. Ce serait quand même dommage de vous spoiler la petite pirouette du patron.

Disons simplement que, même avec des dieux et des monstres partout dans le récit, Nolan choisit de ne pas vraiment les montrer. Il préfère faire sentir leur présence, ou plutôt leur absence…

Et finalement, c’est assez cohérent avec tout ce qu’on vient de dire : chez Nolan, même le fantastique peut exister sans avoir besoin de se montrer. Le plus fou n’est pas ce qu’on voit, mais d’abord ce qu’il arrive à nous faire croire.

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À bientôt 65 ans, le mec continue de courir plus vite qu’un jeunot de 20 piges, de sauter dans le vide, de grimper sur des falaises, de faire le Yamakasi avec une moto, de s’accrocher à un A400M… Bref, de risquer sa vie pour qu’on puisse passer deux heures au cinéma à se dire : « Non, là, y a un fond vert, non ? » Je l’aime d’amour, et je ne cherche même plus à le cacher.

Alors maintenant que la saga a touché à sa conclusion (enfin, je crois) il est temps de se retourner sur toutes ces années de missions impossibles et de répondre à une question finalement tout à fait possible : quel est le meilleur film de la saga ?

8. Mission: Impossible 2 (2000)

En dernier, forcément, on retrouve le vilain petit canard de la saga. Réalisé par John Woo, Mission: Impossible 2 est un sacré morceau de nanardise. C’est cartonnesque, c’est kitch, c’est souvent de très mauvais goût et les ralentis sont tellement dégueulasses qu’on a parfois l’impression de regarder un clip MTV.

Et pourtant, il reste quelques trucs à sauver. Tom Cruise, déjà, qui est évidemment impeccable dans son rôle d’Ethan Hunt. Et peut-être la fameuse séquence du combat final, qui aurait pu être franchement mémorable si elle n’était pas, une fois encore, réalisée avec les fesses. Mission: Impossible 2, c’est d’abord un film de son époque, avec tout ce que ça comporte comme horreurs des années 2000…

7. Mission: Impossible III (2006)

Mission: Impossible III a au moins le mérite de rebooter la saga après le très moche deuxième épisode. C’est J.J. Abrams qui est aux manettes et on sent sa patte séries TV, peut-être même un peu trop, tant le film bascule régulièrement dans le mélo.

Reste de très bonnes choses, à commencer évidemment par le méchant. Owen Davian, interprété par le regretté Philip Seymour Hoffman, est probablement le meilleur antagoniste de la saga. Froid, flippant, et surtout beaucoup moins caricatural que ce qu’on avait pu voir avant.

Le problème, c’est que le film paraît aujourd’hui assez faible comparé à ce qui va suivre, notamment à cause d’effets spéciaux qui ont plutôt mal vieilli. Mais il remet Mission: Impossible sur de bons rails, et c’était déjà pas mal.

6. Mission: Impossible – The Final Reckoning (2025)

Alors celui-là, quelle déception. J’en attendais tellement que j’ai presque eu l’impression que Tom Cruise m’avait personnellement trahi ! C’est bavard, la première heure se traîne, il n’y a quasiment pas d’action et le montage donne parfois l’impression d’avoir été fait à la tronçonneuse, tant c’est surexplicatif et bourré de flashbacks. On n’est pas neuneus, c’était pas la peine.

Et puis cette histoire d’IA, franchement… quelle idée. Le film part dans un délire méta-numérique complètement perché et passe son temps à raccrocher les wagons avec Dead Reckoning (vous l’avez ?). C’est le problème d’avoir voulu faire cette histoire en deux parties : The Final Reckoning est prisonnier de son propre scénario.

Heureusement, il y a la séquence sous-marine. En IMAX, ça envoie du pâté et c’est probablement l’une des meilleures scènes de la saga. Ça sauve presque le film du naufrage, parce que malgré tout, The Final Reckoning reste un grand spectacle. Mais j’en attendais tellement plus…

5. Mission: Impossible – Dead Reckoning (2023)

Très clairement, le film est bieeeen meilleur que sa suite. C’est plus équilibré, les scènes d’action sont mieux réparties, mieux montées, avec notamment la scène du train, très réussie et qui a le mérite d’apporter quelque chose de nouveau à la saga. Et bien sûr, il y a cette fameuse scène du saut en moto, qui fait clairement partie des scènes d’anthologie. Du grand Tom Cruise, comme on l’aime.

Mais on retrouve le même problème que dans la suite avec cette méchante IA pas belle qui menace le monde. C’est trop abstrait pour vraiment fonctionner. Une menace invisible qui peut être partout, tout contrôler et prévoir tous tes mouvements, c’est peut-être très malin sur le papier, mais à l’écran, ça me laisse complètement froid.

Le film s’enferme dans une intrigue de surenchère techno-compliquée, là où un bon vieux méchant en chair et en os aurait probablement été beaucoup plus efficace.

Et il faut également se coltiner Gabriel, le petit bras armé de l’IA. Esai Morales cabotine un max, en fait des tonnes et peine surtout à imposer quoi que ce soit. Le personnage manque cruellement de présence et de charisme. Donc bof…

4. Mission: Impossible – Protocole fantôme (2011)

Là, on commence à rentrer dans les bons Mission: Impossible. Je sais que beaucoup de gens placent ce quatrième épisode de Brad Bird bien plus haut, mais comme c’est mon blog et que je fais ce que je veux, il est quatrième. Voilà.

Et pourtant, c’est un bon opus, notamment parce qu’il revient aux fondamentaux de la saga. Une intrigue d’espionnage assez classique, des petits gadgets, des plans qui partent un peu en couille et surtout la scène de la Burj Khalifa, qui reste complètement démentielle aujourd’hui.

Alors pourquoi pas plus haut ? Parce que j’ai un peu de mal avec le côté cartoonesque de Brad Bird, notamment dans certaines scènes d’action. Celle devant le Kremlin, avec ses CGI bien dégueulasses et son fond vert qui se voit à trois kilomètres, fait quand même un peu tache dans une saga qui a justement bâti sa réputation sur le fait de faire les choses pour de vrai.

Un très bon Mission: Impossible, donc, mais pas encore celui qui me fera grimper au plafond.

🥉 3. Mission: Impossible – Rogue Nation (2015)

LETS GO POUR LE TOP 3 !

Rogue Nation, c’est typiquement le genre de film qui me fait me dire que cette saga a quand même une sacrée régularité. Pas forcément celui qui me marque le plus, mais un très bon Mission: Impossible, avec Christopher McQuarrie qui prend bien ses marques et surtout une vraie montée en puissance de la formule.

L’intrigue est plutôt cool, avec cette histoire de Syndicat qui traque Ethan Hunt et l’oblige à disparaître des radars. C’est assez classique dans le fond, mais ça fonctionne, et surtout le film enchaîne les bonnes séquences. L’opéra, notamment, est une petite merveille de mise en scène, et la scène de l’avion au début donne déjà le ton : Tom Cruise va encore faire le déglingo, et nous, on va regarder.

Et puis il y a Rebecca Ferguson, qui débarque dans la saga et qui apporte enfin une vraie partenaire à Ethan. Ils ont une bonne dynamique, elle sait se défendre toute seule et ne sert pas juste de potiche à sauver toutes les vingt minutes.

Bref, Rogue Nation fait très bien le boulot. Il trouve un très bon équilibre entre espionnage, action et cascades

🥈 2. Mission: Impossible – Fallout (2018)

Celui-là, il se tape pour être numéro 1. Quelle claque au ciné, bordel. Je me souviens encore de la scène où Tom Cruise et Henry Cavill font leur HALO jump au-dessus de Paris. Mais quel pied ! La musique vient parfaitement accompagner la scène et on en redemande tellement c’est bon.

Le tandem avec Cavill fonctionne à merveille. On oublie complètement Superman, le mec est juste ultra badass, et ça marche du tonnerre avec Cruise. Surtout, la menace est enfin vraiment tangible. On sent que les mecs peuvent prendre cher, et ça change tout. La course-poursuite dans Paris est complètement folle et le final est dantesque, encore une fois porté par une musique qui fait exactement ce qu’il faut.

Et puis tout est là : de l’action, de l’humour, de la tension, un peu d’émotion, des cascades folles… mais rien ne paraît forcé. C’est épique, c’est généreux, c’est inventif, et qu’est-ce que c’est bon.

Il n’est juste pas premier parce qu’il y en a un meilleur. C’est tout.

🥇 1. Mission: Impossible (1996)

Aaaaaah, mon chouchou, mon doudou… que dire ? En fait, y a pas mieux que le premier. Sa force, elle est dans sa simplicité. Un scénario retors, un vrai film d’espionnage avec ce que ça comporte de manigances, de trahisons et de coups de pute. Et puis un Tom Cruise jeunot qui fait déjà sacrément bien le job.

Puis, il y a Brian De Palma. Bien sûr. Voilà ce qu’est un grand réalisateur : un mec qui prend Mission: Impossible, la série, et vient la dézinguer au bout de vingt minutes pour mieux réinventer la formule derrière. C’est brillant. Il impose sa vision, sa mise en scène, ses obsessions, avec des angles de caméra qu’on ne voit quasiment que chez lui. Il filme comme personne, et rien que pour ça, ce premier épisode a quelque chose que les suivants n’auront jamais tout à fait.

Bien sûr, il y a aussi la scène que tout le monde connaît, même sans avoir vu le film : le casse de la chambre forte. Une séquence devenue culte, copiée, parodiée, détournée… et qui reste, trente ans après, l’une des meilleures scènes de la saga.

Petit bémol quand même pour la séquence finale dans et au-dessus du train, qui tire un peu trop vers le gros spectacle hollywoodien et a quand même sacrément vieilli. Mais franchement, on lui pardonne. Ça ne suffit absolument pas à détrôner ce petit bonbon. Mon chouchou. Mon doudou. Numéro 1, et pas de débat.

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Le Marsupilami, quand même.

Le machin a tout. Une gueule et un look reconnaissables entre mille, une jungle, une mythologie, enfin bref un potentiel visuel énorme. C’est littéralement une bestiole faite pour l’aventure. Le genre de personnage qui appelle de grandes cascades, des paysages de malade, des péripéties en veux-tu en voilà…

Et là, non. Philippe Lacheau arrive et nous dit : “Hey, vous savez quoi ? Et si on mettait une grosse partie du film… sur un bateau ?”

Un bateau. Un rafiot. Une coquille de noix ! Lacheau met littéralement en images une croisière Costa !

Alors que le Marsupilami, c’est quand même le roi de la forêt de Palombie. Le mec a une queue de plusieurs mètres (si vous avez pensé à un truc, vous avez vraiment l’esprit super mal placé), il balance des mandales, il saute partout, il vit dans un univers où l’homme n’est pas censé mettre les pieds… et non, on trouve le moyen de lui faire passer une bonne partie de son propre film paumé en pleine mer.

Fallait oser. Vraiment. Et c’est probablement le plus gros problème du film : cette impression permanente de passer à côté de ce qui faisait tout le potentiel du personnage. Est-ce un manque de budget ? Une volonté artistique ? Je cherche encore la réponse.

Mais voir le Marsupilami privé de sa jungle, c’est un peu comme foutre un requin dans une piscine municipale. Vous imaginez Les Dents de la mer à Aqua Boulevard ? Steven Spielberg qui remplace l’océan par trois mètres de chlore, un toboggan jaune et un gamin qui hurle parce qu’il a perdu sa frite ? Pas moi.

Le problème, c’est qu’à force de retirer tout ce qui faisait le charme du personnage, on finit par avoir un Marsupilami qui ressemble presque à un invité dans son propre film.

Et malheureusement, ce problème d’identité se retrouve partout.

Parce qu’au-delà de cette histoire de bateau qui me reste franchement en travers de la gorge, c’est surtout l’impression de voir un film qui ne sait jamais vraiment ce qu’il veut être. Un grand spectacle d’aventure ? Pas vraiment. Une grosse comédie familiale à la sauce bande à Fifi ? Même pas totalement. Au final, le film flotte entre deux eaux… ce qui est assez ironique pour un Marsupilami qui passe son temps sur un radeau.

Et je précise un truc, histoire d’éviter le procès en bashing gratuit : je ne suis pas du tout allergique à Philippe Lacheau et sa bande. J’ai passé de bons moments devant Babysitting, Alibi.com ou encore Nicky Larson et le parfum de Cupidon. Ils savent faire des comédies efficaces, avec une vraie énergie, un sens du rythme et une capacité à aller chercher le gag qui fonctionne.

Donc non, le problème n’est pas : “c’est Philippe Lacheau, c’est populaireuuuuuuh, donc c’est forcément nul.” Non, le mépris facile, ce n’est pas une critique. Le problème, c’est juste que cette fois, la machine ne prend pas. 

Et c’est là que la comparaison avec le film d’Alain Chabat fait forcément mal. Parce que Chabat avait compris un truc essentiel : une créature comme le Marsupilami, ce n’est pas juste une bestiole jaune qui fait “houba”. C’est un univers. Il fallait lui donner de la folie, un peu de mystère, une vraie ambiance. Il fallait faire rêver !

Le plus frustrant, c’est qu’on sent parfois ce que le film aurait pu être. Il suffit de quelques plans, de quelques idées visuelles, pour entrevoir le potentiel du personnage. Mais à chaque fois que le film pourrait décoller, il revient gentiment se garer au port…

Et pourtant, il y a quelques bonnes idées.

Les scènes de combat, notamment, ne sont pas honteuses. Certaines sont même plutôt réussies. La séquence en vue subjective du Marsupilami est probablement l’un des meilleurs moments du film. Alors attention, on ne va pas non plus appeler le réal’ de John Wick pour lui demander son avis hein. Ça reste une comédie française avec des moyens français. Mais au moins, pendant quelques minutes, le film comprend ce qu’il a entre les mains.

Même constat pour le design de l’animal, qui est finalement une vraie bonne surprise. Là où beaucoup auraient probablement choisi la facilité avec une créature numérique ultra propre, lisse comme un cul de bébé et sans aucune âme, le film prend un parti pris beaucoup plus physique. Le Marsupilami a presque un côté animatronique à l’ancienne, un mélange improbable entre un Furby sous stéroïdes et un cousin éloigné d’ET. Une bestiole finalement plutôt mimi, qui plaît aux enfants, et ça, c’est cool. Pour une fois, le film fait un choix qui lui donne une vraie identité !

Alban Ivanov, également, qui débarque là-dedans avec son douanier et vient mettre un peu de vie dans ce bazar. C’est simple : il a les meilleures vannes du film. Le gars joue dans une autre catégorie, avec ce mélange de nonchalance et d’énergie qui lui appartient. Il arrive presque à faire croire que tout ça tient debout.

Mais c’est tout. Car au-delà de l’histoire du bateau, le film souffre aussi d’un gros problème de jeu et d’écriture. C’est souvent approximatif, parfois franchement gênant, avec des facilités scénaristiques grosses comme… des maisons. On sent les blagues arriver longtemps à l’avance, on voit les chutes venir avant même que les personnages aient fini leur phrase, et certaines situations sont écrites avec les fesses.

Le film finit même par se vautrer dans un travers très classique : le gros passage émotion ultra appuyé et bête à manger du foin. Parce qu’évidemment, il fallait rajouter une morale sur le couple séparé qui s’aime encore, les blessures du passé, les retrouvailles, les sentiments qu’on n’a jamais vraiment oubliés… Le pack complet, quoi.

Le problème, ce n’est pas qu’un film familial ait du cœur. Au contraire. Le problème, c’est quand il te force à ressentir quelque chose au lieu de simplement te laisser le ressentir. Ici, on voit les ficelles. On voit la main derrière le rideau. On sent le moment où le film te prend par les épaules en disant : “Allez, maintenant tu dois être ému, s’il te plait.”

Au final, ce Marsupilami, c’est le genre de film qu’on peut lancer un soir où le cerveau est resté au Fitness Park, histoire de ne surtout pas lui demander le moindre effort. Un divertissement sans ambition, sans surprise, qui peut éventuellement passer… à condition de noyer ses attentes au fond d’un paquet de chips.

Et c’est bien ça le plus frustrant : quelle occasion ratée ! Avec un personnage pareil entre les mains, il y avait de quoi faire voyager, rêver, partir dans une aventure complètement folle.

C’est quand même un sacré comble de voir une créature capable de traverser toute une forêt finir par tourner en rond sur un fichu bateau…

[note]

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La Nuit des généraux est de ceux-là.

Au départ, rien de plus qu’une curiosité. Le sujet, forcément : la Seconde Guerre mondiale. Un conflit que le cinéma a raconté mille fois, parfois jusqu’à l’épuisement certes, mais qui continue de fasciner par sa complexité, sa dimension militaire, ses intrigues politiques et les parts les plus sombres de l’Histoire qu’il révèle.

Et puis il y a le casting. Et là, difficile de ne pas s’arrêter. Peter O’Toole, avec son regard magnétique, dans la peau du général Tanz, un nazi aussi charismatique que monstrueux. Omar Sharif, qui incarne le major Grau, enquêteur obstiné perdu au milieu d’un monde qui a totalement perdu la raison. Philippe Noiret, pour la frenchy touch, toujours impeccable (à noter le petit rôle de Pierre Mondy également). Trois gueules, trois immenses acteurs, trois raisons largement suffisantes pour laisser le film tourner quelques minutes.

Ajoutez à cela le plaisir, pour le fan de James Bond que je suis, de retrouver deux Blofeld : Donald Pleasence et Charles Gray, ici dans la peau de deux autres généraux qui passent surtout leur temps à “cheffer”, comme dirait l’autre.

Sauf qu’on ne jette pas un œil à La Nuit des généraux. Non non, on tombe dedans.

Parce qu’il y a quelque chose qui frappe immédiatement : ce film a une âme. Une vraie. Il y a une matière, une texture, quelque chose de palpable. Ces décors magnifiques, cette photographie un peu délavée, cette lumière si particulière… Tout respire cette époque où les films avaient encore de la gueule !

Bon, allez, c’est mon instant vieux réac : oui, il y avait quelque chose de magique dans ce cinéma-là ! Celui où un décor était un putain de décor. Celui où une ville avait une histoire, où les costumes semblaient avoir vécu avant d’être portés, où les images n’avaient pas besoin d’être gonflées aux effets numériques pour avoir du poids.

Et puis il y a l’histoire, bien sûr. Au milieu de la Seconde Guerre mondiale, alors que l’Europe est littéralement en train de crever sous les bombes, que les cadavres s’empilent et que le régime nazi organise méthodiquement l’extermination de millions d’êtres humains, le major Grau, lui, ouvre une enquête sur le meurtre sauvage d’une prostituée. Un meurtre qui ne peut avoir été commis que par un général, un témoin ayant aperçu le pantalon de l’uniforme et cette fameuse bande rouge caractéristique.

Un meurtre, donc. Un “petit” meurtre, oserais-je dire si j’étais un petit provocateur… mais comme je le suis, je vais le dire.

Parce qu’à l’échelle du cauchemar qui l’entoure, soyons honnêtes : ce crime paraît presque dérisoire. Une goutte d’eau finalement, dans un océan de sang.

Sauf que non.

Pour Grau, il n’existe pas de “petit meurtre”. Même au cœur de l’enfer qu’il traverse, même alors que son propre camp transforme l’assassinat de masse en politique d’État, il reste accroché à cette idée presque folle : une vie reste une vie.

Et c’est précisément là que La Nuit des généraux devient fascinant : le film joue cette carte du paradoxe à fond la caisse. Il suffit de voir cette scène où le général Tanz, une ordure nazie taille XXL, met Varsovie à feu et à sang… pendant qu’en face, Grau s’obstine à vouloir l’interroger sur ce fameux “petit meurtre”. Tanz n’a pas vraiment le temps : il est occupé à cramer Varsovie au lance-flammes !

Mais bon, Grau, la guerre, il n’en a rien à foutre. Les grandes manœuvres militaires, les ambitions des généraux, les jeux de pouvoir, le génocide… ce n’est pas son monde. Même le complot monté notamment par le général Kahlenberge (l’opération Walkyrie), incarné par Donald Pleasence, visant à éliminer Hitler, ne le détourne pas de son obsession.

Il s’en tape. Son obsession est ailleurs.

C’est un homme complètement en décalage avec son époque. Un type qui traverse l’un des moments les plus monstrueux de l’Histoire avec ses propres priorités, ses propres obsessions, ses propres combats. Il ne cherche ni le pouvoir, ni la gloire, ni même à changer le cours de l’Histoire. Il cherche simplement à résoudre son affaire. Ses combats sont minuscules face aux enjeux gigantesques, son obsession est dérisoire face à une Histoire qui broie tout sur son passage.

C’est ainsi que son enquête traverse les années, jusqu’en 1965. Je pourrais vous expliquer pourquoi le film fait ce bond dans le temps, ce que cela implique pour les personnages et où cela mène… mais non. Pas question de vous voler l’un des plaisirs du film. Les spoilers, c’est comme visiter une maison hantée avec un mec qui vous dit où les fantômes sont planqués. Vous avancez toujours dans le noir… mais vous savez déjà quand hurler. Et ça, jamais.

Vous l’aurez compris, La Nuit des généraux possède cette qualité rare : il vous attrape par le col et refuse de vous lâcher.

Et évidemment, il y a Peter O’Toole.

Son interprétation de Tanz est sidérante. On connaît bien sûr les excès de l’acteur, ses problèmes d’alcool, ses démons… mais il semble ici avoir tout transformé en matière de jeu. Sa fatigue, ses fêlures, cette intensité presque inquiétante dans le regard : absolument tout sert le personnage.

Parce que Tanz n’est pas un simple méchant de cinéma. C’est une présence qui écrase tout sur son passage. Chaque apparition impose quelque chose de froid, de brutal, d’inévitable… On est face à une ordure absolue, mais portée par un acteur au sommet de son art qui réussit l’exploit de rendre fascinant un homme qu’on voudrait fuir. C’est un paradoxe de plus dans ce film : on redoute Tanz, mais on n’attend que lui...

Bref, je suis tombé amoureux de ce film.

Au point qu’il est devenu l’un de ces films de chevet, de ceux qu’on relance sans même réfléchir parce qu’on sait déjà qu’on va passer un bon moment. Une valeur sûre, un film doudou… oui, je sais, c’est un peu bizarre de dire ça d’un polar au cœur du IIIᵉ Reich, mais vous avez compris l’idée.

Alors peut-être que je manque un poil d’objectivité. Et franchement ? Je m’en tape le coquillard. Parce que je trouve ce film presque parfait. La musique cogne exactement quand il faut : martiale, oppressante, appuyée. Les acteurs sont monumentaux. Les dialogues percutent. Et surtout, ce paradoxe permanent est une mine d’or. Il ouvre des débats métaphysiques sur la hiérarchie des combats, le sens de la justice et la place de l’individu face à la grande Histoire.

Alors faites-moi confiance sur ce coup-là. Lancez La Nuit des généraux !

Et si, comme moi, vous vous retrouvez à le revoir six fois par an, en vous disant à chaque fois “allez, juste une scène”… avant de vous faire happer jusqu’au bout, ne venez pas dire que je ne vous avais pas prévenus.

[note]

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À chaque sortie, c’est un événement, et aujourd’hui, difficile de contester son statut de réalisateur le plus en vogue du moment. Entre succès critiques, cartons au box-office et ambition démesurée, Nolan s’est imposé comme une référence incontournable du cinéma.

À l’occasion de la sortie de L’Odyssée, c’est donc le moment idéal pour revenir sur sa filmographie et tenter l’impossible : classer tous ses longs-métrages, du “moins bon” au meilleur.

13. Following, le suiveur (1998)

Bon, en dernier, on retrouve le premier film de Nolan. Et forcément, ça sent le film fait avec trois bouts de ficelle. Following est fauché, bricolé, tourné avec une équipe minuscule… mais on voit déjà pointer ce qui deviendra la grande obsession du bonhomme : les manipulations, les identités qui se mélangent et les histoires racontées dans tous les sens.

Le problème, c’est que Nolan n’a pas encore les moyens de ses ambitions. C’est intéressant, plutôt malin par moments, mais ça reste un petit film, avec une réalisation encore assez maladroite et une intrigue qui fait surtout office de brouillon de ce qu’il fera beaucoup mieux par la suite.

Pas honteux pour autant. C’est même plutôt fascinant de voir le début de ce grand monsieur. Mais face à la suite de sa filmographie, il ne pouvait pas vraiment finir ailleurs qu’ici.

12. Dunkerque (2017)

Je vais me mettre la moitié des fans de Nolan à dos : je n’aime pas Dunkerque. Voilà, c’est dit.

Je trouve ça lent, parfois même franchement chiant, et surtout je n’accroche pas du tout à cette idée des trois temporalités qui finissent par raconter la même chose. Je comprends le concept, mais chez moi, ça ne crée pas de tension : ça me sort du film. Au lieu de me faire vivre la bataille de manière plus intense, cette construction me donne parfois l’impression de regarder un “exercice de style”.

Alors oui, c’est beau, la mise en scène est évidemment impeccable et Nolan sait toujours poser une ambiance. Le son, la photographie, les plages, les avions : tout est parfaitement maîtrisé. Mais j’ai beau reconnaître toutes ses qualités, je reste complètement à côté.

Bref, Dunkerque, je comprends totalement pourquoi certains le vénèrent, mais chez moi, ça ne prend pas. 

11. Tenet (2020)

Sans doute le film le plus jusqu’au-boutiste de Nolan dans son rapport au temps. Et justement, il va trop loin… Tenet finit même par donner l’impression que Nolan joue tout seul à son propre jeu, dont lui seul connaît les règles, pendant que nous, pauvres mortels, essayons simplement de comprendre ce qui se passe.

Le film assomme par sa complexité, au point qu’on finit par décrocher. Et cette musique de Ludwig Göransson beaucoup trop bourrine n’aide franchement pas à reprendre son souffle. On comprend qu’il y a un truc de dingue qui se passe, mais on ne comprend pas forcément lequel.

Je reconnais évidemment les qualités formelles : c’est spectaculaire, ambitieux, la mise en scène est encore une fois impressionnante. Mais est-ce que j’ai pris du plaisir devant Tenet ? Pas vraiment. C’est un immense casse-tête dont on ne résout même pas l’énigme, parce qu’on n’a déjà pas compris l’énoncé.

10. Insomnia (2002)

On arrive sur un film assez mineur dans la filmo de Nolan. D’ailleurs, si on ne savait pas qu’il était derrière la caméra, pas certain qu’on le devinerait. Sa patte est beaucoup moins présente et Insomnia ressemble finalement davantage à un thriller mainstream bien foutu qu’à un vrai film de Nolan…

Il y a quand même déjà ce rapport au temps qui pointe le bout de son nez, avec cette nuit qui ne tombe jamais et qui finit par complètement faire vriller tonton Pacino. Mais surtout, le film peut compter sur ce duel Pacino-Williams absolument réjouissant, qui lui donne une bonne partie de son intérêt.

Ça se regarde très bien, c’est propre, efficace, mais ça ne laisse pas une trace énorme. Un bon thriller, mais un petit Nolan. Et c’est déjà pas si mal.

9. The Dark Knight Rises (2012)

Le moins bon de la trilogie, clairement. Ça reste un gros spectacle, avec de sacrés morceaux de mise en scène (la scène d’ouverture est folle) et un Bane qui en impose, mais en tant que conclusion, je reste franchement sur ma faim.

Le film veut tellement raconter de choses qu’il part un peu dans tous les sens. Les arcs narratifs s’empilent, certains personnages sont expédiés, d’autres prennent une place qu’ils n’arrivent pas vraiment à justifier, et tout ça donne un ensemble beaucoup moins maîtrisé que les deux précédents.

Et puis il y a Marion Cotillard. Sa prestation dans les dernières minutes est tellement à côté de la plaque qu’elle devient presque involontairement drôle. Elle ne plante évidemment pas tout le film à elle seule, mais elle lui colle quand même un sacré coup de pelle au moment où il fallait surtout réussir son atterrissage.

Bref, un Batman qui reste largement recommandable, mais après Batman Begins et surtout The Dark Knight, la chute est quand même assez nette.

8. Batman Begins (2005)

Premier Batman de Nolan, et surtout le film qui a remis le personnage en selle après les immondes merdes de Schumacher. Rien que pour ça, respect ! Nolan reprend le perso à zéro, vire le côté kitsch des précédents et décide enfin de nous montrer un Batman qui ressemble à autre chose qu’un gosse de riche en lycra.

Et puis il y a déjà ce qui deviendra une des grandes obsessions de Nolan : ancrer son cinéma dans le réel.

Et ce que j’aime surtout ici, c’est l’aspect origin story. Bruce Wayne, sa peur, sa formation, sa transformation en Batman : tout est posé avec sérieux, sans que le film oublie pour autant de raconter une vraie histoire. Gotham a une vraie gueule, Christian Bale est parfaitement casté et Liam Neeson fait un Ra’s al Ghul plutôt classe.

Alors oui, le film a un petit coup de mou dans sa deuxième partie et le final est moins mémorable que ce que Nolan fera ensuite. Mais Batman Begins, c’est la fondation de toute la trilogie. Sans lui, pas de Dark Knight. Et rien que pour ça, il mérite largement cette place.

7. Memento (2000)

Là, on entre vraiment dans le Nolan pur jus. Un mec amnésique, une histoire racontée à l’envers, des tatouages, des Polaroïds et un réalisateur qui semble prendre un malin plaisir à nous perdre dans son propre labyrinthe.

Memento, c’est surtout le premier film où on voit vraiment ce qui va devenir la grande obsession de Nolan : le temps, la mémoire et notre rapport à la réalité. Et contrairement à Tenet, ici, la mécanique fonctionne à merveille. Le concept n’est pas là juste pour nous faire dire « waouh, c’est compliqué », il sert directement l’histoire et nous met dans la tête de Leonard.

C’est malin, retors, parfaitement construit et le film réussit son petit numéro jusqu’au bout. Mais voilà, il lui manque ce que j’aime le plus chez Nolan : le spectacle. C’est plus sec, plus intimiste, forcément moins spectaculaire que ce qu’il fera par la suite. Et dans ma petite hiérarchie personnelle, ça compte.

6. Oppenheimer (2023)

Alors oui, je sais que je vais encore me faire taper dessus. Mettre Oppenheimer seulement sixième, alors que le film a raflé des récompenses et que tout le monde l’a placé au sommet de la filmo de Nolan ? Désolé, mais c’est comme ça.

Parce que Oppenheimer, oui, c’est du très grand Nolan. C’est ambitieux, dense, extrêmement bien écrit et porté par un Cillian Murphy absolument immense. Et puis il y a cette scène de l’explosion… quelle claque. Le choix de la filmer « en vrai » permet à Nolan de rendre l’instant presque physique.

Ludwig Göransson signe une partition absolument géniale, qui accompagne le film sans jamais lui marcher dessus et qui contribue énormément à cette tension permanente.

Mais voilà, malgré toutes ses qualités, je reste un peu moins accroché que devant ses autres films. C’est passionnant, brillant, parfois vertigineux, mais aussi très bavard et forcément moins « spectacle » que ce que j’aime chez Nolan. Je respecte énormément le film, mais je l’aime un peu moins… Pardon !

5. L’Odyssée (2026)

Bon, là, Nolan joue carrément dans une autre cour. Prendre L’Odyssée d’Homère et en faire un blockbuster de 200 millions de dollars parti pour exploser les compteurs au box-office, fallait quand même oser. Des dieux, des monstres, des bateaux, des grottes mystérieuses… le mec s’est offert le bac à sable ultime pour assouvir sa passion du grand spectacle.

Et visuellement, ça envoie du lourd. Nolan filme dans son format roi, l’IMAX 70mm, privilégie encore une fois le réel, les décors naturels, les effets pratiques… On sent le pognon à l’écran, mais surtout l’envie de faire les choses en grand. Certaines séquences sont franchement impressionnantes.

Mais voilà, j’ai quand même un vrai regret : ça manque d’émotion ! Tout est gigantesque, impressionnant, maîtrisé… mais j’aurais aimé être davantage touché par le voyage d’Ulysse, par son retour, par ce qu’il laisse derrière lui. J’admire énormément le film, mais je ne l’ai pas aimé autant que je l’aurais voulu.

4. Inception (2010)

Alors là, on commence à attaquer le très, très lourd. Inception, c’est probablement le film qui résume le mieux tout ce que j’aime chez Nolan : un concept complètement dingue, du grand spectacle, un scénario qui demande un minimum de neurones, mais qui reste suffisamment limpide pour qu’on ne soit pas complètement largué au bout de vingt minutes (contrairement à Tenet).

Nolan part quand même d’une idée de génie : les rêves. Un truc que tout le monde connaît, puisque tout le monde en fait, mais qu’il transforme ici en terrain de jeu complètement fou. Les rêves dans les rêves, le temps qui se dilate, le couloir qui part en apesanteur, Paris qui se plie sur elle-même… bref, le réal’ a des idées à la pelle et il les met toutes à l’écran.

Et puis il y a la musique de Hans Zimmer, qui est sans aucun doute dans le top 5 de ses meilleures compositions. Elle colle parfaitement au film, accompagne chaque montée de tension et est tellement liée à l’univers d’Inception qu’elle fonctionne même en dehors.

Et si Inception n’est que quatrième, c’est tout simplement parce que chez Nolan, il y a encore meilleur que ce petit bonbon. Ça en dit long sur le niveau…

🥉 3. The Dark Knight (2008)

Bon, soyons clairs les amis : pour moi, c’est le meilleur film de super-héros jamais réalisé. Oui, même devant Spider-Man 2. Et pourtant, j’adore Spider-Man 2. Mais The Dark Knight joue carrément dans une autre catégorie.

Parce que Nolan réussit un truc assez rare : faire un immense film de genre qui dépasse complètement son genre. Batman et le Joker sont évidemment au centre, mais le film emprunte autant au thriller policier qu’au film de gangsters. Gotham devient une vraie ville criminelle, avec ses flics, ses pourris, ses braquages et sa violence.

Et évidemment, il y a Heath Ledger. Son Joker est devenu légendaire pour une raison (notamment) : il ne cherche pas à être impressionnant, il est juste profondément imprévisible. On ne sait jamais ce qu’il va faire, ni même s’il a réellement un plan. Et cette incarnation donne au film une tension que peu de blockbusters ont réussi à retrouver depuis.

Le film ne repose pas uniquement sur son statut de film de super-héros. C’est un grand film tout court. Et c’est probablement ça qui explique pourquoi il tient aussi bien presque vingt ans plus tard.

🥈 2. Interstellar (2014)

Alors celui-là, je peux le revoir encore et encore sans jamais m’en lasser. C’est probablement aussi celui qui me met le plus régulièrement une petite claque émotionnelle. Autrement dit, oui, au ciné, j’ai chialé. Et c’est pas si fréquent.

Parce que Nolan fait ici ce qu’il sait faire de mieux : prendre une idée complètement gigantesque et la ramener à quelque chose de profondément humain. Le voyage spatial, les trous noirs, la relativité, les mondes inconnus… tout ça est évidemment démesuré, mais au fond, Interstellar parle surtout d’un père qui veut retrouver ses enfants. Et c’est ça qui fait toute la différence.

Nolan filme l’espace comme personne, avec cette obsession du réel qui rend chaque image encore plus folle. Et Hans Zimmer, encore lui. Cette partition à l’orgue est absolument monumentale. Il y a des scènes où la musique fait la moitié du boulot émotionnel à elle seule !

Interstellar est donc le Nolan qui me touche le plus. S’il n’est pas premier, c’est simplement parce que le numéro 1 est encore plus personnel pour moi. Mais c’est clairement l’un de ces films dont je suis heureux de pouvoir dire : je l’ai vu au cinéma.

🥇 1. Le Prestige (2006)

Ce filme, je l’aime d’amour.

Le Prestige, c’est peut-être le Nolan le plus représentatif de tout ce qu’il aime raconter : le temps, les faux-semblants, la manipulation, l’obsession et surtout notre incapacité à voir ce qu’on a pourtant sous les yeux. Tout est là, mais Nolan prend un malin plaisir à nous faire regarder ailleurs.

Parce que son véritable tour de magie est peut-être celui-ci : il nous donne les clés dès le départ. On les voit, on les entend, mais on ne comprend leur importance qu’une fois le rideau tombé. Et quand le film révèle enfin ses cartes, tout ce qu’on croyait avoir compris se retrouve remis en question.

Le casting est royal, avec en tête les deux amis devenus rivaux, Christian Bale et Hugh Jackman, qui portent le film à eux seuls. L’ambiance est dingue, Michael Caine est évidemment parfait, David Bowie débarque en Nikola Tesla comme si c’était la chose la plus normale du monde… et tout fonctionne.

Et puis il y a le revisionnage. Une fois que tu connais le tour, tu ne regardes plus le film de la même manière. Tu repères les indices, les détails, les petites choses que Nolan avait tranquillement déposées sous ton nez. Et tu comprends que le film ne t’avait jamais trompé : c’est toi qui n’avais simplement pas regardé au bon endroit !

Un chef-d’œuvre.

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Les grands penseurs du dimanche peuvent déjà monter sur leur estrade et nous éclairer de leur immense savoir. C’est toujours fascinant de voir autant de spécialistes réunis pour expliquer comment faire un film… alors qu’aucun d’entre eux n’est celui à qui on a donné plus de 200 millions de dollars pour le faire.

D’ailleurs, je vais faire un aveu qui va sans doute me valoir l’excommunication de quelques puristes : je n’ai jamais lu Homère.

Voilà, c’est dit. Je n’ai pas passé vingt ans à étudier les chants antiques, je ne connais pas par cœur les différentes versions du mythe et je ne prétendrai pas avoir la légitimité d’un spécialiste pour juger chaque écart avec l’œuvre originale.

Pourtant, je suis quand même allé voir le film. Parce que c’est un Nolan, déjà… Et parce que non, le cinéma n’est pas réservé à ceux qui ont validé un doctorat ++ en mythologie grecque. Une œuvre vieille de 3 000 ans ne traverse pas les siècles en restant figée dans le marbre. Elle survit justement parce que chaque époque la relit, la transforme et lui donne un nouveau visage.

Ce que je viens chercher chez Nolan, ce n’est donc pas une récitation illustrée d’Homère. C’est sa vision.

Sa manière de prendre un monument de la littérature mondiale et d’en faire une œuvre de cinéma contemporaine.

Et sur ce terrain-là, difficile de nier l’évidence : Nolan frappe fort. L’Odyssée est un spectacle monumental. Chaque plan semble pensé comme un tableau, chaque décor comme une fresque. Le film retrouve quelque chose du gigantisme des grands péplums d’antan, cette sensation de voir surgir devant soi des civilisations disparues, des armées immenses, des paysages qui dépassent l’homme.

Et surtout, il y a cette obsession du réel propre à Nolan : des décors construits, des effets pratiques, une matière tangible qui donne au film une puissance presque physique. On sent la poussière, le vent, le poids des corps et des éléments. Ce n’est pas une bouillie numérique à la Marvel qui défile devant nous, c’est un univers qui semble exister.

Mais derrière cette démesure visuelle, il y a surtout une vraie réflexion. Car l’Odyssée de Nolan n’est finalement pas seulement un voyage à travers les mers. Ce n’est pas uniquement l’histoire d’un homme qui traverse un monde hostile pour retrouver son foyer.

C’est le parcours intérieur d’un homme qui tente de comprendre qui il est devenu.

Car derrière l’aventure mythologique se cache une question beaucoup plus intime : que reste-t-il d’un homme après avoir mis son intelligence, son courage et son ingéniosité au service d’une cause qu’il finit par remettre en question ? Ulysse n’est pas seulement le héros victorieux de la guerre de Troie. Il est un homme hanté par ce qu’il a fait, par les choix qu’il a permis et par le prix humain d’une victoire obtenue dans le sang.

Nolan s’intéresse moins au héros glorieux qu’à l’homme qui porte le poids de ses propres actes. Un homme dont la foi a été abîmée par la guerre, qui ne cherche pas seulement à retrouver Ithaque, mais à retrouver une forme de paix avec lui-même.

Et c’est peut-être là que les dieux prennent une autre dimension. Ils ne sont plus seulement des figures mythologiques qui manipulent le destin d’un homme : ils deviennent le reflet de ses propres tourments. Les monstres qu’Ulysse affronte ne sont pas uniquement devant lui, ils sont aussi en lui. Les véritables ennemis ne sont plus seulement les créatures qu’il rencontre sur sa route, mais la culpabilité, le doute et le poids des responsabilités.

Et c’est précisément ce qui rend cette histoire vieille de trois millénaires encore aussi puissante : derrière le Cyclope (dont la scène est d’ailleurs une vraie réussite, au point de donner furieusement envie de voir Nolan du côté de l’horreur), les tempêtes et les divinités, il y a simplement un homme qui tente de rentrer chez lui après avoir découvert qu’il s’était peut-être perdu en chemin.

C’est aussi pour cela que le film dépasse largement le simple récit mythologique.

L’Odyssée de Nolan est un miroir de notre époque et de ses propres tourments.

Je le considère comme un film profondément politique, non pas parce qu’il viendrait défendre une idéologie ou donner des leçons à la mords moi le noeud, mais parce qu’il interroge notre rapport au pouvoir, à la guerre, à la responsabilité et aux conséquences de nos choix.

Car au fond, derrière les dieux et les légendes, Nolan raconte peut-être quelque chose de très contemporain : comment des hommes brillants peuvent participer à des événements qui les dépassent, et comment ils doivent ensuite vivre avec ce qu’ils ont contribué à créer.

L’Odyssée est un Oppenheimer à la sauce grecque : le récit d’un homme qui a créé les conditions de sa gloire avant d’en devenir le prisonnier.

Reste que L’Odyssée est une pure claque. Une expérience de cinéma comme on en voit trop rarement aujourd’hui. Les acteurs jouent tous remarquablement, donnant le meilleur d’eux-mêmes avec cette conscience particulière qu’ils tournent dans un film de Christopher Nolan. Les rôles féminins sont mieux écrits qu’à l’accoutumée. La bande-son de Ludwig Göransson, bien que critiquée par ceux qui continuent de placer Gladiator au sommet absolu du péplum, accompagne parfaitement le film.

Cependant, il manque clairement au film un supplément d’âme, cette émotion qui permet aux grandes œuvres de dépasser ce stade pour toucher quelque chose de plus profond… pour devenir, justement, un chef-d’œuvre.

[note]

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La franchise avait commencé avec des voitures tunées par Kéké, le beauf du lycée, des courses de rue, des mecs qui faisaient vroum-vroum dans des parkings avec des filles à moitié à poil et une histoire de famille qui fait des casses. Mais qui est quand même une famille cool (ils font des merguez au barbecue). C’était pas d’une subtilité folle, certes, mais c’était plutôt un divertissement sympa.

Le titre de cet article est donc volontairement putaclic, puisque, a fortiori, ce n’est absolument pas gênant qu’un film lorgne sur la beauferie. Au contraire. Le beauf, quand c’est assumé, ça peut être drôle.

Seulement voilà : les voitures ont commencé littéralement à voler. Ensuite, elles ont sauté d’un immeuble à l’autre. Puis elles ont carrément défié les lois de la physique en allant dans l’espace. Et là, dans cet opus, le bolide de Toretto, joué par l’immonde Vin Diesel, fait carrément du toboggan sur un barrage qui explose… Et là, j’ai lâché l’affaire.

Bon, je me doutais bien de la cata qui s’annonçait. Je ne suis pas non plus allé au ciné en pensant voir un chef-d’œuvre. Déjà parce que l’opus est réalisé par Louis Leterrier, et que le Français n’est franchement pas connu pour sa subtilité. Le mec adore visiblement Michael Bay, sauf qu’il a poussé le curseur encore un peu plus loin dans le bourrinage. Bay, c’est déjà pas exactement la chips la plus croustillante du paquet niveau subtilité, mais Leterrier parvient pourtant à le faire passer pour Terrence Malick…

Puis, le scénario. Il tient sur un Post-it recto verso, ni plus ni moins. En gros, le fils d’un ancien méchant veut se venger de Dom parce que Dom a tué son père dans Fast Five. Il s’appelle Dante (il tombe à pic, vous l’avez ?), il est très énervé, il veut faire souffrir Dom, il s’en prend à sa famille et finit par kidnapper son gamin. Voilà.

Bon, en soi, un scénario peut être simpliste et le film diablement efficace. Mais ici, ce n’est pas le cas. L’intrigue avance au lance-pierre, les personnages prennent des décisions parce que le scénario en a besoin et les coïncidences s’empilent avec la délicatesse d’un camion-benne. Tout n’est que prétexte à faire tout péter, comme des mongoles.

Et du coup, c’est même plus impressionnant. On est blasé devant ce qui se passe sous nos yeux. Au fond, c’est comme si vous pouviez manger autant de glaces que vous voulez sans jamais grossir : bah au bout d’un moment, la glace ne provoque plus chez vous la moindre sensation de plaisir. C’est exactement ce qui se passe ici. Il faut bien qu’il y ait un peu de danger, un peu de frustration, la possibilité qu’un personnage se plante vraiment. Mais là, non : tu sais que quoi qu’il arrive, les mecs vont s’en sortir.

D’autre part, et ce ne sera un scoop pour personne, Vin Diesel joue comme un cul.

Et comme il a la réputation d’être un gros connard sur les plateaux de tournage, ça me fait évidemment plaisir de lui mettre un petit taquet qu’il ne lira jamais, mais qui me fait quand même beaucoup de bien. Vin, tu es à chier. On se demande vraiment comment tu as réussi à devenir acteur tant ton registre semble se limiter à regarder quelqu’un avec les sourcils froncés en répétant comme une buse le mot « familleeeee ». Bref, Vin Diesel n’est pas exactement la lumière qui éclaire le mieux le couloir.

Et puis il y a Jason Momoa. Il gesticule, il grimace, il ricane, il prend des poses, il balance des petites phrases exactement à la manière d’un Mike Myers en Austin Powers. Il ne joue pas un personnage, il joue Jason Momoa qui joue un personnage qui joue au méchant. Le mec en fait des caisses (vous l’avez ?) à chaque seconde. À côté de sa prestation dans Fast & Furious X, son Aquaman peut prétendre à l’Oscar. C’est dire… Quoique son meilleur rôle est peut-être celui de bouffeur de glaces dans la pub Nuii. Là, au moins, on comprend ce qu’il fait.

Bref, Fast & Furious est devenu une saga pour dégénérés.

Même les fans de la première heure ont fini par lâcher l’affaire devant cette bouillie indigeste où chaque épisode doit absolument faire plus gros que le précédent.

La franchise s’est tout simplement parodiée elle-même. Sauf qu’à force de pousser le curseur, on n’est même plus dans le fun. Ça devient tellement gros que ça en devient presque écœurant. Pour rester dans le domaine de la crème glacée : c’est comme foutre une montagne de chantilly tellement sucrée qu’au bout de trois bouchées, tu ne sens même plus le goût de la glace. T’as beau en rajouter, ça ne devient pas meilleur. À un moment, t’as juste envie de gerber.

Et pourtant, je peux pardonner énormément de choses à un blockbuster. Je peux accepter qu’un film soit con, même. Mais il faut au moins qu’il soit amusant. C’est d’ailleurs ce que Michael Bay réussit plutôt bien. Certes, ses films sont l’antithèse de la probabilité et de la subtilité, mais au moins, le mec sait ce qu’il fait. Il te balance des explosions, des bagnoles, des nanas en contre-plongée et des trucs qui pètent dans tous les sens, mais il ne te demande jamais de prendre ça au sérieux. C’est bourrin, c’est débile, mais il en a conscience.

Mais là, cette bouse a en plus la prétention de se prendre au sérieux.

Et c’est peut-être ça qui m’emmerde le plus : ils font n’importe quoi avec le sérieux de mecs persuadés d’avoir pondu Le Parrain IV.

Qu’ils continuent leurs conneries sans moi. Ils s’en foutent, soi-dit en passant, et ils auraient bien tort de se priver : avec un budget annoncé autour de 340 millions de dollars, le film reste une machine à pognon malgré tout. Mais la machine commence quand même à tousser. Les recettes sont en baisse, le public commence à décrocher et, à force de pousser le moteur dans le rouge, il va bien finir par y avoir une sortie de route.

Et cette fois, même Toretto ne pourra pas survivre.

[note]

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